Berliner Ensemble: Mit Blitzeinschlag

Regisseur Christopher Rüping ist mit dem Theaterpreis Berlin 2025 ausgezeichnet worden, hat das Preisgeld in Höhe von 20.000 Euro bei der Verleihung am 4. Mai im Haus der Berliner Festspiele jedoch abgelehnt. Stattdessen kündigte er an, die Summe an insgesamt 57 Kultureinrichtungen zu spenden, die von den aktuellen Kürzungsplänen des Landes Berlin betroffen sind. Rüping begründete seine Entscheidung damit, dass der Preis vom Regierenden Bürgermeister verliehen werde, der zugleich für die Kürzungen im Kulturbereich verantwortlich sei. Daher wolle er kein Geld „aus den Händen des Senats“ annehmen. Die Stiftung Preußische Seehandlung, die den Theaterpreis seit 1988 aus eigenen Mitteln finanziert und unabhängig vom Landeshaushalt agiert, respektiert Rüpings Entscheidung. Vorstandsvorsitzender Dr. Hans Gerhard Hannesen betonte, dass die Debatte um öffentliche Kulturförderung wichtig sei und würdigte Rüpings Vorgehen als Ausdruck künstlerischer Verantwortung in einer schwierigen kulturpolitischen Situation.

Der Heidelberger Stückemarkt 2025 hat China als Gastland des Jahres gewählt. Die sechs eingeladenen Werke wurden fast alle während der Pandemie geschaffen oder erstaufgeführt und geben somit einen Einblick in das Erscheinungsbild und die Ausrichtung des chinesischen Theaters der letzten fünf Jahre. Thematisch behandeln sie Familienbeziehungen, Migration, Feminismus sowie die historische Interpretation und Dekonstruktion literarischer Klassiker. Sie zeichnen sich sowohl durch Literarizität als auch durch politische Relevanz aus und setzen sich intensiv mit der Realität auseinander. Han Jings „Vierundzwanzig Stunden vor Neujahr werden wir des Lebens müde“ beginnt mit der familiären Szenerie des chinesischen Neujahrsfests, einer der wichtigsten Traditionen in China. Die Autorin versucht, durch das Schreiben ihre eigene Familiengeschichte zu verstehen. Die zu Beginn des Stückes erwähnte Erbkrankheit der Familie wird zum Ausgangspunkt für eine tiefgehende Auseinandersetzung mit der Familiengeschichte. Wie die Autorin selbst sagt: „Man muss sich daran erinnern, wie die vergangenen Generationen gelebt haben.“ Mit dem allmählichen Zerfall des traditionellen Familien­lebens durch die Ein-Kind-Politik ist das gemeinsame Feiern des Neujahrs in Großfamilien zu einer Seltenheit geworden. Während die jüngere Generation in dem Stück nicht nach Hause zurückkehren kann, wird sie von den älteren Familienmitgliedern dennoch schmerzlich vermisst. Han Jing selbst war während des Neujahrsfests 2019 bis 2020...

Neue chinesische Dramatik beim Heidelberger Stückemarkt

Wenn Essen keinen Trost mehr spendet

Angst und Schmerz kriechen aus jeder Silbe

Von der Sonne in den Swimming Pool und zurück 

MarDis starke Verse legen sich über eine häusliche Szene. Heute Abend findet der trojanische Krieg um eine Kücheninsel statt. Während ein unsichtbarer Chor die epische Neudichtung um Penthesile:a:s und Achill:e:s spricht, beobachtet das Publikum die Zubereitung einer Suppe. Antike Weltpolitik und private Lebensführung, poetische Sprache und ordinäre Handgriffe verschmelzen miteinander. „Das Private ist politisch“, der Slogan der zweiten Frauenbewegung, ist dieser Bühnenkonstellation eingeschrieben. Das Regiedebüt von Sandra Hüller gemeinsam mit Kollegen Tom Schneider ist eine doppelte Überschreibung des Kleist’schen Dramas um die Amazonenkönigin. In der Interpretation der französischen Autorin MarDi wird Penthesile:a:s zum Kollektiv aller Frauen, das vom Ensemble des neuen theaters in Halle ihre Stimme erhält. Die Kriegerinnen haben „Den endlosen Kreislauf der Traditionen zermalmt / Uns von der Ordnung der Götter losgesagt / Von der Ordnung der Männer.“ Jetzt bringen sie Männer um, aber lösen können sie sich nicht von ihnen. „Sie waren in der Struktur ihrer Sprache / Im Inneren ihrer geplünderten Körper / Im Inneren ihrer Münder / Ihrer Geschlechter.“ Sie üben Rache, aber sind dennoch im Phallogozentrismus gefangen. Jedes Wort, das sie sprechen, hat Anteil an der patriarchalen Ordnung. Zwischen dem chorischen Sprechen und dem stummen, idyllischen Bild der Küche, das durch eine Guckkasten-Konstruktion gerahmt...

„Penthesile:a:s“ von MarDi (DEA) – Regie Sandra Hüller und Tom Schneider, Bühne und Kostüm Nadja Sofie Eller, Musik Moritz Bossmann

Neues Theater Halle: Antike Küchenschlacht

Klimakrise und Völkermord, Nekrokapitalismus, dysfunktionale Demokratien und technologischer Autoritarismus – wir zerstören unsere Lebensbedingungen in atemberaubendem Tempo. Noch nie hat das Universum eine Spezies erlebt, die so kannibalistisch ist wie der Mensch. Die Systeme, die wir geschaffen haben, bedrohen unsere Existenz, und die Aussicht auf die Zukunft erscheint düster. Unsere Verletzlichkeit zeigte sich im letzten Sommer auch in Florentina Holzingers „Harbour Etude“ in Bergen. Norwegens zweitgrößte Stadt, eingebettet zwischen Bergen und der Nordsee, war der ideale Schauplatz für Holzingers Experiment mit den Elementen der Natur. Aus Umwelt- und politischer Sicht ist Bergen ein perfekter Ort für die Kulturkritik, die den meisten von Holzingers Performances eigen ist. Die Stadt war ein zentraler Knotenpunkt der mittelalterlichen Hanse und ist bis heute ein Zentrum des transnationalen Handels sowie ein internationaler Dreh- und Angelpunkt für die Offshore-Erdöl- und Schifffahrtsindustrie. All dies geschieht in einem Land, das sich rühmen kann, Europas größte Ölnation zu sein, dank der unermüdlichen Ausbeutung natürlicher Ressourcen, während es ironischerweise international als führende Nation in grünen Technologien und nachhaltiger Ressourcennutzung anerkannt wird. Die Werft von Laksevåg bot somit eine dystopische Kulisse für das, was der Spätkapitalismus in einem Land als Ökopionier bereithält. 70 Meter in der Höhe Die Performance fand am...

Florentina Holzingers „Harbour Etude“ im norwegischen Bergen

Die Dystopie unserer Zeit

Theater und Orchester der Stadt Heidelberg: Liebe lässt die europäische Eiszeit schmelzen 

Der Künstlerische Leiter des WUK Theater Quartier in Halle/Saale, Tom Wolter, ist im Alter von 56 Jahren verstorben. Das gibt der Bundesverband der Darstellenden Künste am 29. April bekannt. Wolter war über drei Jahrzehnte eine prägende Figur der Freien Darstellenden Künste in Halle und engagierte sich neben seiner künstlerischen Arbeit auch als Lokalpolitiker. Als langjähriges Vorstandsmitglied des Bundesverbandes Freie Darstellende Künste setzte er sich für faire Arbeitsbedingungen und nachhaltige Förderstrukturen ein. Sein Tod hinterlässt eine große Lücke in der Kulturszene und im Bundesverband.

Berlin: Tom Wolter ist tot

Saal 2 im Humboldt-Forum. Es ist dunkel und (kunst-)neblig. Aus den Lautsprechern tönen Stimmen, darunter – auf Englisch – die einer Kriegsberichterstatterin. Vergewaltigung sei die billigste Waffe in Kriegen, sagt sie. Ein ernstes Thema, eines, das erschüttern und schockieren sollte. Doch nichts passiert. Weder unter den Zuschauern, die auf Hockern sitzen, noch auf einer Bühne, die es streng genommen gar nicht gibt. Denn Brigitta Muntendorfs 2023 bei der Biennale in Venedig uraufgeführte Hör-Kreation „Orbit – A War Series“, die in Koproduktion mit der Staatsoper Unter den Linden entstand, wurde für KI-Stimmklone, 3D-Audio und Elektronik konzipiert. Ohne Akteur:innen, ohne Sänger:innen. Alles maschinell erstellt. In karger Illumination (Licht Begoña Garcia Navas) sind da Textschnipsel aus 32 Lautsprechern zu hören, mal gesprochen, mal auf Technobeats gerappt, mal gesungen. Sie basieren unter anderen auf Interviews, Reportagen und Dokumentationen aus Afghanistan, Iran, der Demokratischen Republik Kongo, Polen, den USA, dem Zweiten Weltkrieg in Asien. Es geht um die Verstrickung von Gewalt, Sexualität und Macht und um die systemische Gewalt gegen Frauen. Der Anspruch der Komponistin, die ab September 2025 die Intendantin der KunstFestSpiele Herrenhausen in Hannover wird, ist hoch. Ein „Space Oratorium“ nennt sie ihr Werk, ein ganz nach innen gerichtetes „Musiktheater der Zukunft“. „Während...

„Orbit – A war series“ von Brigitta Muntendorf – Komposition, Künstlerische Leitung Brigitta Muntendorf, Konzept Moritz Lobeck, Brigitta Muntendorf, Dramaturgie Mehdi Moradpour, Audio-Programmierung Lukas Nowok

Staatsoper Unter den Linden/Humboldtforum Berlin: Langeweile im Orbit

Theater auf dem Theater geht eigentlich anders. Hier aber steht Weimars Nationaltheater höchstselbst auf seiner eigenen Bühne: als großes Modell in einer Inszenierung, die gewiss keine Modellinszenierung werden mag. Wir sehen nicht das komplette Gebäude, sondern, latent abschüssig, mit Rutschgefahr, dessen Dachpartie vor blauweißem Himmelsprospekt. Da erhebt sich also ein Ensemble kühn über sein Haus und steigt ihm, nun ja, aufs Dach halt. Dort strandet Viola und fragt: „Was ist das für ein Land?“ Es ist das Land schöner und handfester Illusionen, die hier offenbar werden; in diesem Fall solche in der und über die Liebe. Es ist Illyrien. Es ist: „eine offene Anstalt.“ Und es ist das, es ist dieses Theater. Darin, darauf, daneben schwören sie auf Shakespeare und zwar buchstäblich: Eine Werkausgabe ist ihre Bibel. Sie spielen „Was ihr wollt“, eine Komödie darüber, sich in der Liebe lächerlich zu machen, die Folgen aber würdig zu tragen. Und die Liebe zu diesem Nationaltheater ist, aus Gründen, eingepreist. So hat es Swaantje Lena Kleff angerichtet, zusammen mit ihrem Ensemble sowie u. a. Bühnenbildner Philipp Rubner. „Ich warte auf den Erstaufschlag von Bühnen- oder Kostümbild“, sagt sie, „und surfe dann auf dieser Idee.“ Es ist ihre letzte von insgesamt elf Inszenierungen...

Wie Weimars Hausregisseurin Swaantje Lena Kleff das Nationaltheater zehn Jahre prägte und von ihm geprägt wurde

Ihr offenes Geheimnis: Zusammen

Schwein gehabt

Was macht das Theater, Anne-Cathrin Lessel?

Der Hausherr stand im Halbdunkel des ersten Rangs seines Theaters, hinter dem Balkongeländer. Er ­wirkte, so notierte ich damals, wie ein „Fußballtrainer, der sich die Kommentare für die nächste Mannschaftsbesprechung aufhebt“. Peter Carp, regungslos, ein bisschen wie eine Sphinx. Das war im November 2015 im Theater Oberhausen. Gegeben wurde Albert Ostermaiers Serge Gainsbourg-Stück „Moi non plus“ mit einem faszinierenden Dominique Horwitz in der Hauptrolle. Regie – Peter Carp, damals noch Intendant am Theater Oberhausen. Man sollte die Kraft erster Begegnungen nicht überschätzen. Doch dieser Moment, der gleichwohl ein sehr einseitiger war, sagte einiges aus über den Theatermann Peter Carp. Da war kein Selbstdarsteller, der das Rampenlicht sucht. Auch keiner, der durch seine Gestik und Mimik sein Innerstes, gewollt oder ungewollt, hervorkehrt. Kein Egomane, sondern ein Teamplayer. „Ein Solo üben, kann jeder“, zitierte Carp wenige Stunden später im Gespräch den Satz einer Musikerin, die versuchte, das Phänomen Orchester zu beschreiben. Er hatte Carp nicht mehr losgelassen: „Das ist das Mehrspartenhaus.“ Man kann es ­natürlich auch allgemeiner formulieren. Es ist das Theater. Und vielleicht ist es noch spezieller das Musiktheater. Die besondere Kombination aus Text, Musik und Szene macht den Teamplayer unabdingbar. An das Mehrspartenhaus Theater Freiburg kam Carp primär als ausgewiesener...

Peter Carp als Opernregisseur – eine Annäherung

Die Kunst des Kadenzierens

Von der Organisation der Prager Quadrenniale, dem größten Festival für Szenografie weltweit, über die Professionalisierung der tschechischen Kunstszene bis zur Archivierung des nationalen Theaters – das Kunst- und Theaterinstitut (IDU) vereint unzählige Aufgaben. Von außen ist es schwer, den Umfang und die Bedeutung dieser Institution für das tschechische Theater zu erfassen. Ein Äquivalent in Deutschland gibt es dazu nicht. Dass das tschechische Ministerium für Kultur plötzlich ankündigte, das IDU mit dem Nationalen Informations- und Beratungszentrum für Kultur (NIPOS) zu fusionieren, erregte nationalen und internationalen Protest. Im Jahr 2007 hatte der damalige Kulturminister Václav Jehlička einen ähnlichen Plan angebracht, um Einsparungen in den beiden dem Ministerium unterstellten Institutionen zu erwirken. Was damals abgewendet wurde, scheint heute mit größerem Nachdruck vorangetrieben zu werden. Auch bei Ondřej Svoboda, dem stellvertretenden Leiter des Theater Instituts, traf diese Ankündigung auf Unverständnis: „Beide Institutionen erfüllen eine wichtige Aufgabe, aber sie richten sich an verschiedene Zielgruppen. Das IDU fokussiert sich auf die Förderung der professionellen Kunstszene und übernimmt im Bereich Theater auch die Dokumentation, Sammlung und Forschung, während sich NIPOS der Förderung von regionaler, nicht-professioneller Kultur widmet. Uns ist nicht klar, welche Vorteile es bringen soll, wenn diese Institutionen in kurzer Zeit zusammengeführt werden und wir wurden...

Dem nationalen Kunst- und Theaterinstitut Tschechiens droht eine zweifelhafte Umstrukturierung

Stiller Abbau?

Nun hat er es also doch auf Jenas Theaterbühne geschafft: der auch in dieser Stadt spielende, vor allem aber vor deren Toren siedelnde Roman „Herscht 07769“ des Ungarn László Krasznahorkai. Diesen einfallsreichen Koloss von Text mit einem einfältigen Koloss von Kerl im Zentrum wollte schon das Kollektiv Wunderbaum nach 07745 Jena holen, als es das Theaterhaus leitete; eine Kooperation mit Meiningens Staatstheater stand im Raum. Doch gingen die Rechte der Uraufführung nach 07407 Rudolstadt, wo sie dann vor zweieinhalb Jahren mit großem Ensemble stattfand (<a href="https://tdz.de/artikel/3178a21b-d4bd-4fba-a8da-978fbb131af5">TdZ 1/2023</a>). Ungefähr auf halbem Weg zwischen beiden Städten am und im mittleren Saaletal durchfährt man 07768 Kahla, von Krasznahorkai literarisch verfremdet zu 07769 Kana, aber ebenso an der B 88 gelegen, ausgerechnet. Schließlich gilt die 88 als Neonazi-Code für „Heil Hitler“. Und für Kana, die kleine Perle in scheinbarer Idylle, gilt: „Hier sind fast alle Nazis, selbst die, die nichts davon wissen.“ Das fußt auf realen Hintergründen und Begebenheiten. Auf dieser Basis hat Krasznahorkai „den heutigen deutschen Roman geschrieben“, wie nicht nur Kollege Ingo Schulze findet. Es geht darin, in einem einzigen Satz, der sich wie ein atemloser Wortschwall ohne Punkt, aber mit vielen Kommas absatzlos über mehr als 400 Seiten zieht, um...

„Herscht 07769“ nach László Krasznahorkai – Regie Daniele Szeredy, Bühne und Kostüme Luca Szabados, Musik Thari Kaan, Video Davide Di Lorenzo, Dramaturgie Zsófia Varga

Theaterhaus Jena: Ein durchlässiges Gesamtkunstwerk

Samtener Schutzraum

Leere Bühnen  für volle Köpfe?

Deutsches Theater Göttingen: Alter Geist in neuen Köpfen

Schau mal einer an

Das Nest sauber halten

Robert Wilson begründete seine Abneigung gegen psychologischen Realismus und gut gebaute Stücke auf der Bühne einmal mit dem Hinweis, dass er es verabscheut, wenn ihm als Betrachter in jedem Augenblick der Aufführung gesagt wird, was er zu denken hat. Ein Bild hingegen, so Wilson, sagt dir das nicht. Anne Imhof nennt ihre New Yorker Produktion „DOOM: House of Hope“ eine Performance und man kann sie als solch ein offenes Bild empfinden, etwas, das geheimnisvoll und auratisch wirkt, und zugleich ist sie eine big show mit einer großen Geschichte, die ihr fixes ­Timing besitzt und diverse Choreografien, Schauspielszenen, Screenings und Konzertmomente zu Imhofs eigener Meditation über Shakespeares „Romeo und Julia“ vereint. Am Anfang des Abends schauen die gut 1000 Gäste in der Park Avenue Armory hinter einer Absperrung aus stählernen Bühnenbarrikaden in die dunkle Halle und auf ein riesiges Jumbotron in der Ferne, auf dessen Screens die Spielzeit von drei Stunden in roten Ziffern strahlt. Im Moment, da die sphärische Musik lauter wird, setzt der Countdown ein, die Uhr tickt und vom gegenüberliegenden Ende der Halle schreiten als schlanke Silhouetten im Gegenlicht 40 Performer:innen in Richtung der wartenden Besucher:innen, kühl und ausdruckslos wie in einer Modenschau. Nahe an der Absperrung lassen...

Anne Imhofs „Doom: House of Hope“ in der New Yorker Armory Hall

Romeo und Julia in der Cadillac-Welt

Florentina Holzinger ist erst seit relativ kurzer Zeit ein Begriff in der tschechischen Tanz- und Theaterszene. Als das Prager Festival des deutschsprachigen Theaters 2023 ihr „Ophelia’s Got Talent“ in seinem Programm zeigte, fegte die Schockwelle der Aufführung mit ähnlicher Wucht über Bischöfe und Kleriker hinweg wie einst Oliver Frljics „Eure Gewalt, unsere Gewalt“ (2018), zwang Theaterkritiker:innen, die einer ähnlichen Produktionsästhetik bisher keine Beachtung geschenkt hatten, sich zu Wort zu melden, und provozierte Analysen von Theaterwissenschaftler:innen. Allerdings wurden Holzingers Inszenierungen damals bis auf wenige Ausnahmen ohne einen größeren Werkzusammenhang und außerhalb der Inszenierungsstrategien des deutschsprachigen Theaters wahrgenommen. Im Folgenden gehe ich der Frage nach, warum „Ophelia“ in der tschechischen Theater- und Tanzszene keine stärkere Reaktion hervorgerufen hat und ob wir in unserem Umfeld ähnliche Inszenierungspraktiken anwenden könnten. Als ich am 11. Oktober 2024 auf Facebook als Reaktion auf Holzingers Operninszenierung von „Sancta“ schrieb: „So sollte echtes Theater aussehen! Katharsis, Reinigung ... Erbrechen, Bluthochdruck, kurz, diese gewöhnlichen, menschlich warmen Emotionen, für die wir ins Theater gehen“, hätte ich nicht gedacht, dass ich unter meinem Beitrag Posts von tschechischen Theatermacher:innen erhalten würde. „Ich bin dabei“, schrieb Jakub Cermák, Theaterdirektor und derzeitiger Leiter der Schauspielabteilung des Südböhmischen Theaters in Ceské Budejovice. Und er war...

Florentina Holzinger und die tschechische Theaterszene

Abwehr gegen nackte Nonnen

Theater an der Ruhr Mülheim: Lost in Weirdness

Das Gesicht der Sängerin ist mehrere Meter über der Bühne. Ihren Körper sieht man nicht, dafür eine digitale Projektion. Olympia ist ein Automat, einzig geschaffen, um Männerfantasien zu bedienen. Im zweiten Akt der Oper „Hoffmanns Erzählungen“ in der Deutschen Oper am Rhein Düsseldorf interagiert das Ensemble mit Videobildern. Dafür ist das britische Theaterkollektiv 1927 bekannt, es hat auch die berühmte cineastische „Zauberflöte“ von Barrie Kosky gestaltet. Hoffmann steht auf dem Boden unter Olympia. Beide bekommen in der Projektion weiße Flügel, scheinen wie Engel in den Himmel zu schweben – und stürzen ab. Solche Bilder sind mit konventionellen Bühnenbildern kaum möglich oder extrem aufwendig. Digitale Projektionen geben den Regieteams viele Möglichkeiten. Deshalb setzen sie sich durch, nicht nur in Experimentalformaten der Off-Szene, sondern auch auf den großen Bühnen. Es entstehen neue Berufsbilder. Sie tragen verschiedene Namen und haben unterschiedliche konkrete Aufgaben. Aber alle haben mit Digitalität zu tun und verbinden Kunst und Technologie. Eben das ist die Aufgabe der vor sechs Jahren gegründeten Akademie für Theater und Digitalität in Dortmund. Neben der künstlerisch-technischen Forschung und der Fort- und Weiterbildung war von Beginn an auch die Ausbildung eine der geplanten Säulen. Seit Dezember 2018 wurde er geplant, nun hat er begonnen, der...

Die Akademie für Theater und Digitalität in Dortmund startet einen Masterstudiengang

Neue Berufsfelder erfinden

Ich arbeite einfach gern

Erst der Wald, dann der Boden

Natürlich wird noch über die Länge dieser Inszenierung diskutiert. Nach fast sieben Stunden, mit einer Pause nach dreieinhalb Stunden, endet die vielfache Verschränkung von Heiner Müller und Büchner kurz vor zwei Uhr in der Nacht mit dem Applaus für ein wie berauscht wirkendes Ensemble. Das ist selbst in Castorf-Dimensionen ein ungewöhnlich langer Ritt mit allerhöchst aufreizender Aufmerksamkeitsbeanspruchung – ein Theaterexzess der Extraklasse. Im ersten Teil steht Heiner Müllers 1979 geschriebene „Erinnerung an eine Revolution“ im Vordergrund. Drei Abgesandte des französischen Konvents, die eigentlich die Revolution in die koloniale Karibik bringen sollten, haben erfahren, dass die Sache abgeblasen wurde. Denn Napoleon ist inzwischen das Resultat einer Revolution, die auf halbem Wege zu Freiheit und Gleichheit stehen geblieben ist oder mit ihrem Terror schon zu weit gegangen war – das ist Büchners Drama vom revolutionsmüden Danton und einem halbblind mit entfesselter Gewalt in die Geschichte preschenden Robespierre, der selbst zum Opfer seines Tuns wird. Castorf schließt im Ganzen für seine heutige Perspektive zwei Stücke zusammen, die die Französische Revolution von 1789 bis 1794 als kritisch-negativ mit bis in die Gegenwart wirkenden Folgen darstellen und in grellen Szenen mit ihrer wuchtig metaphorischen Sprache jeweils Gipfel der deutschen Dramatik im 19. und 20. Jahrhundert...

„Dantons Tod“ von Georg Büchner unter Verwendung von „Der Auftrag“ von Heiner Müller – Regie Frank Castorf, Bühne Aleksandar Denić, Kostüme Adriana Braga Peretzki, Musik William Minke, Videodesign Andreas Deinert

Staatsschauspiel Dresden: Dantons Rausch

Mit der Pfeilspitze ins Herz hinein

Bewegen, Zeichnen, Überzeichnen

Mit 500 Pfund im Jahr und einem Zimmer für sich allein bezifferte Virginia Woolf die Bedingungen, um als Autorin große Literatur zu produzieren. Die Freiheit zu schreiben war für sie an eine Zahl geknüpft, die es ihr erlaubte, sich von den Erwartungen und Pflichten an eine Frau zu lösen. Doch woher kommt das Geld, wenn man nicht bereits dem Bürgertum angehört? Für Édouard Louis ist das eine einfache Rechnung: „Kein Leid in meiner Kindheit = keine Bücher = kein Geld = keine Freiheit“, folgert er in seinem aktuellen autobiografischen Bericht. „Ich könnte sagen, dass Freiheit und Leid zwei Seiten derselben Medaille sind, zwei Sätze derselben Symphonie. Schließlich könnte ich sagen, dass ich keine Freiheit kenne, die nicht gleichzeitig ein Ausbruch ist, eine Befreiung von Gewalt und damit in gewisser Weise eine Folge von ihr.“ Indem er das Erwachsenwerden unter Arbeiter:innen, die Gewalt der Eltern und seine Klassenscham in Büchern wie „Das Ende von Eddy“, „Die Freiheit einer Frau“ und „Wer hat meinen Vater umgebracht“ durcharbeitete, schaffte er nicht nur für sich Unabhängigkeit. In „Monique bricht aus“, seinem zweiten Buch über die Emanzipation seiner Mutter, beziffert er, wie viel ihre Befreiung aus einer gewaltsamen Beziehung kostete. Der kurze, essayistische Text beschreibt...

Édouard Louis’ zweites Buch über die Emanzipation seiner Mutter

Der Preis der Freiheit

Herr Hartmann, seit Ihrem Buch wissen wir: Sie sind schuld am bevorstehenden Weltuntergang. Jörg Hartmann: (lacht) Ja, weil ich Schauspieler geworden bin und nicht der Ökologe, der ich einst ernsthaft werden wollte, um die Welt zu retten. Aber Trump hätte ich so wahrscheinlich auch nicht verhindern können. Nun machen Sie sich indes Gedanken um den ökologischen Fußabdruck der Schaubühne. JH: Darüber hätte ich wohl nie nachgedacht, wenn wir nicht immer mit solchen Riesenkisten durch die Welt geflogen wären. Andererseits haben wir so deutsche Theaterkultur im Ausland präsentiert. Thomas Ostermeier und die Schaubühne sind in vielen Ländern absolute Stars. Und ohne solche Gastspiele wäre dieses Privattheater finanziell kaum zu stemmen. Als ich zuletzt mit in Paris war, sind wir aber Zug gefahren. Sie geben zwei Stimmen in der Brust Raum. Eine hadert und sagt: „Niemand braucht das Theater, wenn die Welt dabei ist, sich abzuschaffen.“ Die andere meint: „Jegliche Kunst ist unsere Rettung.“ Warum blicken Sie kritischer aufs Theater als auf Film und Fernsehen? JH: Theater ist mein Fundament. Da komme ich her, das hat mich geprägt. Letztlich gibt es bei beidem ähnliche Krisen oder Zweifel. Mit Fernsehen erreicht man eben nur mehr Leute. Neulich habe...

Im Gespräch mit Michael Helbing

Was macht das Theater, Jörg Hartmann?

Man könnte auch den ganzen Abend der Souffleurin zusehen. Isa Perski ist eine ältere Dame, grauhaarig, seriös, man würde ihr die gestrenge Lehrerin abnehmen. Mit ihrem Textbuch sitzt sie vorne auf der Bühne, ausnahmsweise einmal im Rampenlicht, und amüsiert sich königlich. Mal grinst sie, mal verkneift sie sich mühsam das Lachen, es ist ein Vergnügen, ihrem Vergnügen zuzuschauen. Aber, um gar nicht erst Missverständnisse aufkommen zu lassen, bei Weitem nicht das einzige an diesem Abend. Im vergangenen Jahr gewann die junge Theaterautorin Henriette Seier, Jahrgang 1993, den erstmals ausgelobten Christian-Dietrich-Grabbe-Förderpreis des Landestheaters Detmold und der Grabbe-Gesellschaft für ihr Erstlingswerk „Drama für den Kopf“. Jetzt brachte sie den 90-Minüter, dem sie in Klammern den entwaffnend ehrlichen Titelzusatz „Ein Klamauk“ verpasst hat, am Hessischen Landestheater Marburg selbst zur Uraufführung. Es ist ein Meta-Text über das Theater, eine Auseinandersetzung mit seinen Eigenheiten und Eitelkeiten, bemerkenswert abgezockt für eine Theatermacherin, die noch am Anfang ihrer Karriere steht. Und sehr, sehr komisch. „Hallo!“, sagt die Schauspielerin, als sie zu Beginn die Bühne betritt. „Ich bin eine Schauspielerin und ich spreche jetzt einen Text, der Sie berühren soll.“ Über das Leben, die Liebe, die Welt und wie alles miteinander verknüpft sei. Und natürlich: „über unsagbare Dinge,...

„Drama für den Kopf. (Ein Klamauk)“ von Henriette Seier (UA) – Regie Henriette Seier, Bühne Pauline Malack, Kostüme Phin Mindner 

Hessisches Landestheater Marburg: Die Stimmung trägt Netzhemd

Es gibt ihn noch, den Zauber des Theaters mit großen Stoffen, politischer Brisanz und künstlerischer Überwältigung. Sicher, nicht alle Produktionen der gerade zuende gegangenen FIND-Ausgabe, des hauseigenen Festivals für internationale Dramatik der Schaubühne, würden rückschauend in dieser Formel ganz aufgehen. Aber es war eine sehr beeindruckende Auswahl mit ein paar Neuentdeckungen und Erstpräsentationen, die den internationalen Kanon im deutschsprachigen Theater erweitern dürften. Zumindest die diesjährige ‚artist in focus‘, Caroline Guiela Nguyen, die derzeitige künstlerische Leiterin des TNS Théâtre National de Strasbourg, dürfte nun endgültig ein Name von dem Rang sein, dass künftig neue Arbeiten mit Spannung erwartet werden. Bereits 2018 wurde ihre epische Restaurant-Familiengeschichte „Saigon“ von FIND präsentiert und nun noch einmal im Rahmen einer kleiner Werkschau gezeigt. „Lacrima“ hat ein ähnlich episches Format und handelt von der Herstellung eines mit abertausenden Perlen besetzten Brautschleiers für eine fiktive Lady Di des englischen Königshauses. Ein Pariser Modeatelier, Spitzenklöpplerinnen in der Normandie und ein Perlenspezialist in Mumbai, der bei seiner Arbeit das Augenlicht verliert, sind über Monate in von Managern und Atelierleitern gehetzter Kooperation für das Schmuckstück miteinander verbunden, das dann bei der Zeremonie etwa 20 Minuten getragen wird, wie es im Abspann heißt, und dann wahrscheinlich nie wieder. Es sind entscheidende...

Das Festival Internationale Neue Dramatik an der Berliner Schaubühne

Publikumserregung mit Extradimension

Leipzig: Auswahl fürs Festival Politik im Freien Theater

Deutsches Nationaltheater Weimar: Drei Fiktionen für dreizehn Millionen Schicksale

Woran erkennt man eine Kulturjournalistin in einer veritablen Lebenskrise? Erstens: Sie benutzt das Wort veritabel anstelle von „echt“. Zweitens: Sie geht nicht mehr ins Theater. Warum? Weil das Theater sie nicht mehr berührt. Theater ist Beruf. Zitatfetzen, Punchlines, Szenenbeschreibungen und Assoziationen, mehr oder weniger lesbar in ein A5-Notizbuch gekritzelt. Bis zu einem Tag im Mai vergangenen Jahres. Auf der Bühne im Schauspiel Leipzig flippen zwei Herren in einem Wald Steine. Sie kommen ins Gespräch und stellen fest, dass sie beide Fußballprofis sind, beide bei Real Madrid spielen und beide – was für ein Zufall – bereits dreimal die Champions League gewonnen haben. Da passiert es: Die Kritikerin schmunzelt. Aus dem Schmunzeln wird lautes Lachen. Und gleich darauf Rührung, wenn sich beide – stets in der dritten Person Plural – die wohl höflichsten Komplimente der Theatergeschichte machen: „Ich sprach von ihren Augen und wie sehr ich sie mag. Und dass sie dann am schönsten sind, wenn sie mich ansehen.“ Ruhige, unaufgeregte Blicke, geradezu minimale Gesten des Sich-Annäherns, ein schüchternes Lächeln und dann: „Sie haben recht, ich sehe sie.“ *Boom*, entwaffnet. Ich frage mich, wann ich das letzte Mal zwei Menschen so zärtlich miteinander habe umgehen sehen. Im echten Leben UND auf...

An dieser Stelle greift TdZ-Redakteurin Lina Wölfel Phänomene der
Theaterwelt auf.

Wir gehen rein

Der Notfall als Prinzip

Neue Dramatik trifft Figurentheater

Dober Dan, Ljubljana

RambaZamba Theater Berlin: Riesenspaß mit Hintersinn

Das Abdriften der Gesellschaft in rechtsradikale Tendenzen und Rassismus nimmt das Künstlerkollektiv Frankfurter Hauptschule mit Humor. „Wir haben euch was mitgebracht: Spaß Spaß Spaß“. In Deutschlandflaggen gehüllt, denken die Spieler:innen in der Produktion des Theaters der Stadt Heidelberg über die Risse in der Gesellschaft nach. Das Format ist ungewöhnlich. „2 x 241 Titel doppelt so gut wie Martin Kippenberger“ lautet der Titel des Texts, mit dem die Künstler:innen 2024 den Autor:innenpreis des Heidelberger Stückemarkts gewannen. Dabei überschreitet die Gruppe, die in der Bildenden Kunst verwurzelt ist, lustvoll Grenzen zwischen Bild und Drama. Gemeinsam mit Arad Dabiris postmigrantischem Drama „Druck!“ – uraufgeführt am Nationaltheater Mannheim – hat das Kollektiv im vergangenen Jahr den Preis des Theaterfestivals gewonnen, das die Vielfalt neuer Dramatik zeigt. „Die Stücke der jungen Generation sind politischer geworden“, sagt Holger Schultze, der Intendant des Heidelberger Theaters, über die Auswahl bei den Dramenwettbewerben der vergangenen Jahre. Er habe genug von der „Nabelschau im eigenen Schreiben“, sagte der Autor Sean Pfeiffer nach der Lesung seines Stücks „Ein Kinderspiel“, in dem es um die Zerstörung von Lebenswelten im Krieg geht. Beim Schreiben habe er Bilder von sterbenden Menschen im Gaza-Streifen vor Augen gehabt. Belanglosigkeit und den Fokus auf eigene Befindlichkeiten gibt...

„2 x 241 Titel doppelt so gut wie Martin Kippenberger“ von Frankfurter Hauptschule – Regie FX Mayr, Bühne Anna Wohlgemuth, Kostüme Korbinian Schmidt, Videodesign Cyrill Oberholzer

Heidelberger Stückemarkt: Das schreckliche Geschwür der Vergangenheit

Solidarität und Waffen

Gegen Willkür hilft kein rationales Argumentieren

Lego meets Ikea

Ruhm den Kleinen!

Thüringer Befund

Seit dem 17. April ist Barbara Gronau nach drei Jahren im Amt als Präsidentin der August-Everding-Akademie entlassen. Das berichtet die Süddeutsche Zeitung und beruft sich auf die Bestätigung einer Sprecherin der Hochschule und auf das Ministerium für Wissenschaft und Kunst. Weder das Ministerium noch Gronau selbst haben sich zu den Vorkommnissen geäußert. Nach Recherchen des SZ habe Barbara Gronau über die Tonanlage im Prinzregententheater, in dem die Hochschule ihren Sitz hat, ein Gespräch mitgehört, von dem sie ausgeschlossen war. Bei dem Gespräch habe es es laut der SZ um ein Evaluierungsgespräch einer Kommission gehandelt, die einschätzen soll, ob die Studiengänge „die Kriterien für einen Bachelor- oder Masterstudiengang erfüllen“. Gronau habe das Ministerium einige Tage später aus eigenen Stücken über den Vorfall informiert, heißt es im Artikel. Bestätigt sind diese Informationen seitens des Ministeriums nicht. In einer Pressemitteilung schreibt der Kunstminister Markus Blume, er „bedauere die Trennung von Barbara Gronau außerordentlich“, nennt die Basis für eine vertrauensvolle Zusammenarbeit an der Bayerischen Theaterakademie aber „irreparabel zerstört“. Barbara Gronau übernahm das Amt der Präsidentin der international angesehenen, von August Everding gegründeten Akademie erst im Herbst 2022. An der Schule werden unter anderem Schauspiel, Regie, Gesang und Bühnenbild gelehrt. Zusätzlich zu ihrer Funktion als...

München: Präsidentin der August-Everding-Akademie Barbara Gronau entlassen

Als der okkulte Schocker „Suspiria“ 1977 erscheint, trifft er den Geschmack eines weltweiten Horrorpublikums. In grellen Technicolorfarben zeigt der italienische Regisseur Dario Argento die Geschichte einer jungen Frau, die in mörderische Hexen­kreise gerät. Besonders der pittoreske Schauplatz, eine deutsche Tanzakademie, hebt den Film über den Genredurchschnitt. Argento, einer der Miterfinder der berüchtigten Giallo Slasher-Gattung, präsentiert ein blutiges Märchen im Jugendstildekor. Die kulturbeflissene Kritik der damaligen Zeit reagiert überwiegend feindselig. Über mehrere Dekaden ändert sich der Ruf des Filmes jedoch radikal. Das vermeintlich krude Horrorspektakel „Suspiria“ mutiert zu einem Objekt der Obsession. Von einem psychedelischen Todesballett schwärmen Anhänger:innen, von purem destillierten Kino auch akademische Kreise. Florentina Holzinger, deren Schaffen genau zwischen diesen Polen von Hoch- und Tiefkultur, Tradition und Grenzüberschreitung, transgressiver Poesie und Trash oszilliert, gehört zu diesen Fans. Ihr Stück „TANZ“, das der Wienerin den Durchbruch in der Performanceszene beschert, ist vom Geist von „Suspiria“ durchzogen. „Der Film wurde mir immer wieder von verschiedenen Seiten empfohlen“, erklärt Holzinger. „Aber ich kenne ihn ohne­hin schon lange, das ist einfach so ein Kultklassiker, der auch während meiner Ausbildung omnipräsent war. Ich studierte ja an keiner Ballettakademie, sondern erlebte eine alternativere Tanzausbildung, da wurde so etwas definitiv im Unterricht ­geschaut. Ich war...

Italo-Splattermovies, Actionfilme, blasphemische Nunsploitation als Inspirationen für Florentina Holzinger

Bodyhorror/Tarantino

„Betrogen durch Geburt, um jeden Vorteil. Verformt. Unfertig. […] Hunde bellen, trifft mein Schatten sie. […] [Und] weil ich nicht frei durch diesen Frieden torkeln kann, bleibt mir nur, das Ungeheuer zu mimen. Mit mir wird’s keine Ehe geben“ – Kenda Hmeidan, ehemaliges Ensemble-Mitglied des Maxim Gorki Theater Berlin, schaut uns durch einen Badezimmerspiegel in die Augen, während sie diese Zeilen spricht. Sie spielt die Protagonistin in Burhan Qurbanis neuem Film „Kein Tier. So Wild“ – einer Dramen-Adaption von William Shakespeares „Richard III.“, der bei der Berlinale Premiere feierte und jetzt in die Kinos kommt. Die Zeilen, die Hmeidan in dieser Einstellung spricht, sind eine Abwandlung der ersten Szene des Ersten Aktes. Doch obwohl sich der Text scheinbar nah am Original bewegt, spielt Hmeidan hier nicht Shakespeares Titelfigur; sie spielt Rashida York, die als junge Anwältin und Teil einer arabischen Großfamilie in einen Berliner Bandenkonflikt verstrickt ist. Um diese künstlerische Setzung des Regisseurs – bekannt durch seinen 2020 mehrfach ausgezeichnete Filmadaption „Berlin. Alexanderplatz“ – hinreichend entschlüsseln zu können, hilft ein Blick auf die historische Figur von Richard III. Aus den Geschichtsbüchern ist uns bekannt, dass er von 1483 bis zu seinem Tod in der Schlacht von Bosworth der letzte englische...

Burhan Qurbani leuchtet mit innovativer Besetzung die Spielräume des Shakespeare’schen Stoffes aus

Bilder im Takt eines Textes

R Ä U M E

Ästhetische Selbstreflexion

Schon wieder eine schlaflose Nacht. Das junge Paar C und S schreckt im Bett hoch – aus der Wohnung darüber dringt Lärm. Ziemlich spooky: Gebrüll, dumpfe Schläge, Schmerzensschreie. Kam schon öfter vor. Was tun? Hochgehen, zur Rede stellen? Derlei direkte Kommunikation wollen C und S nicht. Mehr Spaß macht es, Rachemethoden auszudenken. Schnee in den Kragen kippen? Hm. Motorsäge – dass hinterher alles tropft? Albern. C ist geistig längst auf wesentlich brutaleren Gewalt-Levels unterwegs. Und plaudert über seine momentane Lieblingslektüre, einem Buchpreis-nominierten Splatterroman namens „Wormed“. Ein Mathelehrer betreibe da im Darknet einen Versandhandel mit Frauen, denen er Arme und Beine abgeschnitten hat. „Wieso liest du sowas?“, fragt Partnerin S geschockt. Egal, die Lust am offensichtlichen Trash überwiegt, und gemeinsam mit Kumpel Manfred bastelt das Paar prompt eine Website mit Onlineshop für derlei Torsi, inklusive Bestellbutton und Kommentarfunktion. Nur so zum Spaß, versteht sich. Das Echo ist riesig, jagt selbst dem Macher-Trio Schauer über den Rücken. Und sät Misstrauen: Ein paar Zuschriften scheinen gefaked. Das Jux-Projekt läuft aus dem Ruder, Fiktives und Reales verknäueln sich untrennbar. Jede(r) im Publikum sortiert sich: Amüsiert oder angewidert? Nervenkitzel oder Abscheu? So ganz ohne Triggerwarnung testet Clemens J. Setz in seinem neuen Stück „Die Erfindung“,...

„Die Erfindung“ von Clemens J. Setz (UA) – Regie Lukas Holzhausen, Bühne Jane Zandonai, Kostüme Annabelle Gotha, Musik Robert Pawliczek

Schauspiel Stuttgart: Was witzig ist und was nicht

sogar theater Zürich: Easy said, but schwer getan

Das Ährenfeld als stille Utopie

Die große Bühne im Schauspiel Leipzig muss saniert werden. Als Ausweichspielstätte dient das ehemalige agra-Messegelände (wie der Name vermuten lässt befinden sich hier die Hallen der damaligen DDR-Agrarmesse). Ein eher runtergekommenes Areal, das manchmal für Floh- und Trödelmärkte sowie als Festivalgelände des wave-gothik Treffen dient. Hier befindet sich nun die mit Würstchenbuden und Bierbänken ausgestattete ag(o)ra – eine namentlich naheliegende und inhaltlich ambitionierte Referenz auf den antiken Marktplatz schlechthin, Inbegriff der demokratischen Selbstverständigung und des öffentlichen Diskurses. Eröffnet wird mit insgesamt vier Premieren auf drei Bühnen. Darunter eine „Klytämnestra“-Überschreibung von Nino Haratischwili und Heiner Müllers „Die Umsiedlerin“. Von der Antike in die DDR sozusagen. Der konzeptuelle Bogen gelingt dabei erstaunlich gut. Schon das Bühnenbild von „Kein Schicksal, Klytämnestra“ verbindet Agora und Agra. Mykene ist hier als postapokalyptische Arena angelegt. Ein langer Betonsteg, teils mit Moos überwachsen, in der Mitte ein trockener Springbrunnen aus angelaufenem Metall. Das Publikum rechts und links der Bühne positioniert, einander ansehend. In diesem Setting entfaltet sich die Geschichte um Klytämnestra, Frau des Königs Agamemnon, (Halb-)Schwester der Helena und ob der kriegsbedingten Abwesenheit ihres Mannes Interimsregentin von Mykene. Und mit ihr auch die Geschichten ihrer Tochter Iphigenie und die der Seherin Kassandra. Haratischwilis Überschreibung erzählt in Rückblenden...

Das Schauspiel Leipzig nutzt das ehemalige Messegelände als Spielstätte mit Premieren von Nino Haratischwili und Heiner Müller

Schauspiel Leipzig: Von der Agora zur agra

Herr Carp, wenn ich an Ihre Jahre am Theater Oberhausen zurückdenke, fallen mir zunächst ziemlich krasse und künstlerisch extreme Aufführungen ein. Da waren Regieteams am Werk, die völlig unterschiedlich sind und einen oft überrascht haben. Peter Carp: Wir haben versucht, Künstlerinnen und Künstler zu finden, die eine ausgeprägte Handschrift ­haben, die ungewöhnliche und überzeugende Arbeiten schaffen, die uns emotional und intellektuell ansprechen. Das waren sehr unterschiedliche Handschriften. Ich glaube, ein Theater ist nicht dazu da, einen bestimmten Stil abzubilden. Es sollte die ganze Fülle der Theaterkunst zeigen oder wenigstens einige Aspekte. Ist „Künstlertheater“ der richtige Begriff, um Ihren Ansatz zu beschreiben? PC: Das war immer unser Anliegen. Das hatte auch damit zu tun, wie wir die Spielpläne erstellt haben. Bevor ich Theater geleitet habe, war ich ja lange freiberuflich als Regisseur tätig. Und dann kommt immer wieder die Situation, dass Sie einen Anruf kriegen mit der Nachfrage, zu einem bestimmten Termin ein bestimmtes Stück zu inszenieren. Der Spielplan steht da schon fest. Das kann klappen. Aber oft hat man andere Ideen. Darüber konnte man aber mit diesen Häusern gar nicht reden. Da wird viel Phantasie und Energie verschenkt. Wir haben uns erst die Künstlerinnen und Künstler gesucht, haben die nach...

Peter Carp verbindet extreme künstlerische Handschriften mit Publikumsnähe. Im Gespräch mit Stefan Keim

Regisseur, Produzent, Kurator

Unruhig kreisen Vögel im digitalen Raum. Die Welt der Protagonistin Lise Mundus im Roman „Gesichter“ ist aus den Fugen geraten. Feste Fundamente, auf denen sie sich einst bewegt hat, wanken. Eingesperrt in einer Klinik, nimmt sie ihre Umgebung anders wahr. In dieser wirren Welt bewegt sich die Schauspielerin Sibylle Canonica. Bedrohlich bewegt sich die schwere, düstere Decke auf die leidende Frau herab. Dieses Gefängnis hat die Autorin Tove Ditlevsen in ihrer ausdrucksstarken, emotionsgelähmten Sprache brillant beschrieben. Auf der Bühne des Marstall-Theaters im Residenztheater München spielt sie in einem ungewöhnlichen Raum. Denn unsichere Böden und einstürzende Mauern erlebt das Publikum virtuell. Die Zuschauer:innen tragen Augmented-Reality-Brillen. Das Projekt hat Digitaldramaturg Ilja Mirsky gemeinsam mit der jungen Regisseurin Elsa-Sophie Jach realisiert. „Die Grenzen zwischen Realität und Illusion verschwimmen zu lassen“, das reizt den 29-jährigen Experten für digitales Theater. Er hat an der Universität in Hamburg einen Master-Abschluss in Performance Studies gemacht, in Tübingen studierte er Kognitionswissenschaften. Die Schnittstellen von Schauspielkunst und digitalen Medien auszuloten, findet er spannend. Stellenprofil selbst entwerfen Am bayerischen Staatstheater kümmert er sich seit der Spielzeit 2022/23 um die neuen technischen Möglichkeiten am Theater. Auch als Produktionsdramaturg bringt er seine Expertise in die Inszenierungen des „Resi“ ein. Dass sich Ensemblemitglied...

Ilja Mirsky realisiert am Residenztheater in München Visionen eines immersiven Theaters und unterrichtet an der Akademie für Darstellende Kunst in Ludwigsburg

Berufsbild: Digitaldramaturg

Ja, er lebt noch – oder: Brecht is back!

Dramaturgie der Solidarität

Belgrad: Nikita Milivojević nicht als künstlerischer Leiter von BITEF verlängert

Zerbrochene Familiengeschichten

Die Stimmen aus dem Publikum sprechen eine klare Sprache: Das Schauspielhaus Chemnitz ist nicht nur ein Gebäude, sondern ein Ort der persönlichen Erinnerung und der kulturellen Identität. Doch die Stadtpolitik scheint diese Bedeutung zu ignorieren. Während die Besucherinnen und Besucher bei der gut besuchten Ausstellungseröffnung und Buchpräsentation von <a href="https://tdz.de/shop/produkt/schauspielhaus-chemnitz">„Zwischen Räumen und Zeiten“</a> am Sonntagabend im Spinnbau ihre Sorge um die Zukunft des Schauspielhauses äußern, bleibt die politische Führung in Chemnitz auffallend passiv. Es wirkt, als ob man sich mit dem Status quo abgefunden hätte, ohne eine klare Perspektive für die Zukunft zu bieten. Ein Schauspielhaus im Wartestand Das Schauspielhaus ist seit vielen Jahren baufällig. 2018 beschloss der Stadtrat nach längerem Zögern, dass fünf Millionen Euro bereitgestellt werden können, um das Gebäude für den Spielbetrieb zu „ertüchtigen“, d. h. so weit instand zu setzen, dass alle sicherheitstechnischen Auflagen erfüllt werden können. Doch 2022 war auch dieses Provisorium nicht mehr aufrecht zu halten, sodass Schauspiel und Figurentheater umziehen mussten in den Spinnbau – ein Industriegebäude des VEB Spinnereimaschinenbau der ehemaligen DDR. Die große Schauspielbühne befindet sich jetzt im damaligen Speisesaal für die Arbeiter, der auch als Veranstaltungssaal für Kulturprogramme genutzt wurde. Anschaulich erläuterte die Architekturhistorikerin Annette Menting in ihrem Impulsvortrag die Geschichte...

Chemnitz und sein Schauspielhaus – ein Trauerspiel der Stadtpolitik

Rede zur Entgegennahme des Kurt-Wolff-Preises 2025

Das Thema Hitze  wird in Zukunft  auch dazugehören

Die Rache der Königinnen

Donnerstag, 23. Januar 2025, 22:30 Uhr. Auf meinem Handy ploppt eine Benachrichtigung in einem Theater-Chat auf: „Hallo, liebe Leute in diesem Chat! Irgendjemand wird es sicher wissen: Von wem ist dieses ganz merkwürdige Cover von ‚Wicked Game‘ von einer weiblichen Stimme gesungen? Also so wütend auf einmal und nicht so ‚schön‘ gesungen?“ Ich denke mir: Du meinst „I am a victim of this song“ von Pippilotti Rist und Anders Guggisberg. Warum? Hat’s den Song nicht seit den Neunzigern in genug Performances gegeben? Was hat es mit diesem Song auf sich, dass er so eine Anziehungskraft auf Theatermacher:innen hat? Montag, 24. Februar 2025, 10:20 Uhr. Ich redigiere den Text einer Kollegin. Im letzten Absatz zu Lena Braschs „Das Alte geht nicht und das Neue auch nicht“ im Gorki Theater heißt es: „Am Ende des Abends lauscht das Publikum einem Cover von Chris Isaaks ‚Wicked Game‘, das die Schauspielerin wütend überschreit. No, I don’t wanna fall in love, brüllt sie das Lied an.“ Ich denke mir: again. Da gehen wir jetzt rein. „I am a victim of this song“ von Pippilotti Rist ist 1995 als Musikvideo erschienen. Darin überschreibt sie Chris Isaaks „Wicked Game“. Fügt dem melodisch-melancholischen Sujet der Originalmusik eine...

An dieser Stelle greift TdZ-Redakteurin Lina Wölfel Phänomene der Theaterwelt auf. In der ersten Ausgabe: „I'm a Victim of This Song“ von Pipilotti Rist.

N ist Boxerin, nicht aus Talent, sondern aus Angst. Ihr Leben, in dem sie sich auf einen Kampf vorbereitet, besteht aus „einer Aneinanderreihung von Vorbereitungen darauf, sich das nächste Mal die Fresse einschlagen zu lassen“. Überhaupt ist das Berlin, in dem sie lebt, eines, das von Angst geradezu durchsetzt ist. Es ist nicht die Angst, selbst getötet zu werden, sondern die Angst, zu töten, die Helene Hegemann in ihrem neuen Roman fasziniert. Es ist Angst, die ganze fucking time. Und der Kampfsport eine Welt, die sich um Macht, Unterwerfung und Kontrolle dreht. Des anderen und von N selbst. Das Berlin, durch das sich die Protagonistin N bewegt, ist unwirtlich und dreckig. Meistens ist sie allein. „Striker“ lanciert als postmoderner Großstadtroman, in dem Hochglanzkapitalismus und größte Nöte kollidieren. Es ist eine Stadt, in der Taylor Swift, Veganismus und Kriminalität ineinandergreifen, denn „es ist schwer, die Rich Kids von den Obdachlosen zu unterscheiden, weil Mode nicht mehr ohne diese verwitterte, gewalttätige Aura auskommt, für die Balenciaga gerne mal 1.500 Euro pro T-Shirt kassiert“. Da sind die Obdachlosen am Kanalufer, „die Junkies und die Schizophrenen, ihre Kämpfe, ihre arteriellen Verschlusskrankheiten und Geschwüre, die Scheiße an ihren Ärmeln, weil sie sich damit den Ars...

Helene Hegemanns neuer Roman „Striker“ erzählt von einer verschlungenen Gegenwart in Angst

Die ganze fucking Zeit

Spielplandramaturgie ist meist weniger ‚Plan‘ als ‚Zufall‘. Oder um es anders zu sagen: Sie ist ‚kontingent‘, abhängig von den realen Gegebenheiten. In diesem Sinne ist sie immer eine Wette auf die Zukunft, da sie Vorlauf braucht. Wir wollen, dass das, was wir planen, in einer produktiven Beziehung zur Gegenwart steht, wenn es erscheint. Aber wir wissen weder, wie das Geplante noch diese Gegenwart, die heute noch Zukunft ist, dann jeweils aussehen wird. Da die Vorlaufzeiten für ein internationales Produktionshaus wie das HAU Hebbel am Ufer relativ kurz sind, kann man erwarten, dass die Korrespondenz zwischen Bühne und Wirklichkeit direkter sein kann – im Vergleich z. B. zu Opernhäusern, die mehrere Jahre im Vorhinein disponieren müssen. Ich denke, dass das stimmt, auch wenn diese Kurzfristigkeit in der Planung vor allem von einer prekären Förderpraxis in unserem Metier zeugt. Die zur Verfügung stehenden Mittel sind in der Regel projektbezogen und nicht strukturell, und die Planungsunsicherheit eher ein Symptom der Unterfinanzierung als eine bewusste Flexibilität. Dennoch spielt uns der Zufall öfters in die Hände und wir haben gelernt, dies für unsere Praxis produktiv zu machen. „Give Peace a Chance“ Es gehört zu unserem Selbstverständnis, dass wir ‚die Welt‘ nach Berlin...

Dramaturgien in einer Welt der Dauerkrise

Die Signatur unserer Zeit

Die Bühne (Franziska Huber) gleicht einem Theaterexperimentallabor. Links ein Arbeitstisch mit Schreibtischlampe und Kofferradio; rechts ein Greenscreen samt Kamera; und mittig eine Leinwand. Auf deren leicht verknitterte Oberfläche werden eingangs Fotos projiziert, die Beobachtungen und Zufallsfunde der vier beteiligen Schauspieler:innen (Felicia Chin-Malenski, Thomas Hauser, Florian Jahr, Katja Jung) von deren Weg ins Theater zeigen: eine verlorene Kindermütze, die aufs Pflaster gesprayten Buchstaben „AfD“, Tauben und einiges mehr. Dazu aus dem Off kurze Kommentare des Ensembles. Es sind Alltags-Schnipsel, Wirklichkeitspartikel, die so in den Münchner Marstall getragen werden – ein Theater mit Werkstattcharakter, das die Darstellenden, nachdem sie es betreten haben (allesamt in violetten Anzügen, teils mit Mao-Krägen – Kostüme Gloria Brillowska), mit Blicken abscannend beschreiben: hohe Betondecke, Ziegelsteinwände, verkratzter schwarzer Boden. Soweit also der reale Raum, der sich im Theater aber kraft der Behauptung in sämtliche Orte der Welt verwandeln kann. Das ist denn auch der Versuchsgegenstand dieser Stückentwicklung von Kyung-Sung Lee: das Theater selbst und das, was es (heute noch) über die Welt zu erzählen vermag; ja und ob es diese Wirklichkeit womöglich sogar verändern kann. Dazu zieht der südkoreanische Theatermacher Bertolt Brecht zu Rate. Genauer gesagt dessen „Kleines Organon für das Theater“ von 1948 – eine Art Gebrauchsanweisung,...

„77 Versuche, die Welt zu verstehen“ Texte von Hong-Do Lee und Ensemble – Stückentwicklung und Regie Kyung-Sung Lee, Bühne Franziska Huber, Kostüme Gloria Brillowska, Musik Kayip

Residenztheater München: Der Theater-TÜV

Rückblende. Mitte der neunziger Jahre in Thüringen. Die Theater in Altenburg und Gera müssen fusionieren. Ein gewaltiger Einschnitt, beide Städte haben eine starke eigene Geschichte. Damit es klappt, nahmen sich die Verantwortlichen das Zwei-Städte-Theater in ­Krefeld und Mönchengladbach zum Vorbild. Intendant der neu gegründeten Altenburg-Gera Theater GmbH war Michael Grosse. Heute leitet der Schauspieler und Regisseur die Vierspartenbühne am Niederrhein. 75 Jahre alt wird das Fusionstheater in diesem April. Am 19. April 1950 haben die Räte der Städte Krefeld und Mönchengladbach den bis heute gültigen Fusionsvertrag unterzeichnet. Seitdem hält die Theaterehe, auch wenn es zwischendurch einige Veränderungen gab. Mönchengladbach hat der Bühne vor 19 Jahren das Schauspielhaus weggenommen, weil die Stadt von einer Zukunft als Musicalmetropole träumte. Das war ein Flop, ein voll funktionsfähiges Theater rottete vor sich hin, wie manches in Mönchengladbach. Das Theater spielt seitdem komplett im Stadtteil Rheydt. „Wer vieles bringt, wird manchem etwas bringen.“ Der berühmte Satz aus dem „Vorspiel auf dem Theater“ zu Goethes „Faust“ gilt am Niederrhein. Oper und Schauspiel bieten die erprobte Mischung aus Klassikern und Novitäten. Eine Reihe mit außereuropäischem Theater hat internationale Perspektiven in den Spielplan gebracht, bevor auch andere Bühnen sich für Stimmen außerhalb der erprobten Festivalproduktionen interessiert haben. Und...

Das Zwei-Städte-Theater Krefeld/Mönchengladbach wird 75 und gilt bundesweit als Vorbild für eine funktionierende Fusion

Kein Platz für Machtspielchen

Eines Tages steht die Mutter vom Esstisch auf und stürzt sich vom Balkon. Lola, ihre heranwachsende Tochter, bleibt mit ihrem Zorn und mit ihrer Einsamkeit zurück. In ihrem Debütoman „Die Wut, die bleibt“ zeigt die Mareike Fallwickl die dunkle Seite der Care-Arbeit auf. Da blickt sie auf die Corona-Pandemie, in der vor allem Frauen mit der Kindererziehung alleingelassen waren. Am Staatstheater Karlsruhe befreit die Hausregisseurin Brit Bartkowiak den feministischen Zugriff der Autorin von jeder Verbissenheit. Mit starken Schauspielerinnen entwickelt sie Frauenporträts, die vor allem die Hilflosigkeit der Männer offenbaren. Mit ihrem Roman hat die österreichische Autorin und Literaturvermittlerin eine heftige Debatte ausgelöst. Zwar ist Gleichberechtigung in den westlichen Demokratien per Gesetz festgeschrieben, aber die Wirklichkeit sieht anders aus. Fallwickl, die selbst zwei Kinder hat, beschreibt in gefühlsgeladenen Sprachbildern, was die Rollenverteilung der Geschlechter mit den Menschen macht. Die Rolle der Mutter Helene verkörpert die schwedische Schauspielerin und Opernsängerin Frida Österberg. Alleingelassen steht sie auf dem hohen Bühnengerüst, das Ausstatterin Cora Saller geschaffen hat. In dieser Welt sind die Menschen gefangen. Das Bühnenbild ist schlicht. Mit starker Lichtregie (Martin Eberle, Maximilian Decker) werden Gitter und Maschendrahtzaun zu Angsträumen. Mit ihrer klaren, abgedunkelten Mezzo-Sopran-Stimme singt Österberg Lieder von Joni Mitchell. Damit trifft...

„Die Wut, die bleibt“ von Mareike Fallwickl, Bühnenfassung von Jorinde Dröse und Johanna Vater – Regie Brit Bartkowiak, Bühne und Kostüme Cora Saller, Musik Polina Lapkovskaja, Choreografie Baris Comak

Staatstheater Karlsruhe: Verführerische Kämpferinnen für Frauenleben

Hat Ihnen beim Schreiben eine KI geholfen? Dietmar Dath: Ja, und zwar ohne, dass sie groß was tun musste. Also ich habe keine eingeschaltet. Mir hat aber die Idee geholfen, dass es eine gibt. Die Absicht war, mit KI im Nacken, Dialoge und Monologe zu schreiben, die sich ohne einen semantischen Zugriff – also ohne Kontextverständnis – nicht zusammenfassen lassen. Als Beispiel dafür, wie KI solche Zusammenfassungen macht: Eine Schauspielerin hat Geburtstag, man schreibt einen Text dazu und lässt sich von einer KI Zwischenüberschriften vorschlagen. Im Text erwähnt man beiläufig, dass sie eigentlich Nonne werden wollte, spricht dann aber über viele andere Dinge, die wichtiger für ihre Laufbahn waren. Am Ende wird einem als Zwischenüberschrift angeboten: vom Nonnentraum zur Stilikone. Und woher kommt der Nonnentraum? DD: Im Text steht er nicht. Das, was wir KI nennen, sind Algorithmen, die mit Trainingsmaterial konfrontiert wurden und darin Muster finden. Das Wort „Traum“ steht in den Trainingsdaten in der Nähe von „Kind will einen Beruf“. Die KI macht dann ein Muster daraus: Ein Kind wünscht sich, Nonne zu werden, und das ist der Traumberuf des Kindes. Was dabei fehlt, ist: Was, wenn diese Schauspielerin das gar nicht als Traumberuf gesehen hat,...

Dietmar Dath über sein beim Augsburger Brechtfestival uraufgeführtes Stück „Deine Arbeit hasst dich, weil sie dich nicht braucht“ im Gespräch mit Lina Wölfel

Die Grenzen der Freiheit

Stück Labor 2023/24

Der Medienunternehmer und Publizist Wolfram Weimer soll neuer Kulturstaatsminister im Bundeskabinett der Union werden. Das wurde am 28. April offziell publik. Die Entscheidung kommt überraschend, da Weimer bislang weder politische Ämter bekleidete noch im Kulturbereich besonders in Erscheinung getreten ist. Weimer, der unter anderem als Chefredakteur und Verleger verschiedener namhafter Medien tätig war, folgt auf die bisherige Amtsinhaberin Claudia Roth. Zuvor galten andere Kandidaten wie der Berliner Kultursenator Joe Chialo als Favoriten für das Amt.

Berlin: Wolfram Weimer wird neuer Kulturstaatsminister

Kunstfreiheit, Kürzungen und Ukraine-Unsolidarität

München: Auswahl für Radikal jung Festival

Mit nachhaltiger Kunst  die Menschen berühren

„Sie wollen Institutionen, die sie kontrollieren können“

Schauspiel Stuttgart: Überleben in der Karaokebar

Apple-Watch, Playstation und ein E-Reader von Kindle? Das gibt eine hohe Punktzahl im Foxconn-Bingo, dass sich das Theater der Altmark ausgedacht hat. Besitzt man ein Produkt von Apple, Microsoft oder Google stammen Teile davon mit großer Wahrscheinlichkeit aus den Produktionshallen des größten Elektronikherstellers der Welt. 2010 geriet der Standort im chinesischen Shenzhen in die Schlagzeilen, weil 15 Beschäftigte aufgrund der schrecklichen Arbeitsbedingungen Selbstmord begingen. Im einstündigen Monolog „Shenzhen bedeutet Hölle“ von Stefano Massini, der sich dem fiktiven Konzern Osiris widmet, tauchen die Arbeiter:innen der Foxconn-Fabrik gar nicht auf. Für menschliche Regungen außerhalb der Produktionsnorm ist kein Platz auf der Bühne. Nur die Inspektorin, die Katrin Heinke ausdauernd bohrend spielt, spricht, raucht und wartet auf das Aufleuchten der vier Bildschirme: Grün für ja, rot für nein. Die Arbeiter:innen, die für ihre Leistung das doppelte Monatsgehalt bekommen sollen, sind auf Nummern und Piktogramme reduziert. Sie erscheinen auf der Bühne als eines der Produkte, das sie tausendfach zusammenschrauben. Meinungen will die Inspektorin in ihrem Verhör nicht hören. Sie ist hier, um die vier Bildschirme mit Aufgaben und Fragen zu strapazieren, bis sich alle eine Abweichung erlauben und offenbaren, dass sie weder eins mit dem Unternehmen noch ihren Waren...

„Shenzhen bedeutet Hölle“ von Stefano Massini (DSE) – Regie Patricia Hachtel, Ausstattung Mark Späth, Digital Artist Razan Naser Eddin

Theater der Altmark Stendal: Glorreiche Arbeit

Es ist zweifelsohne eine Erfolgsgeschichte. Seit 2005 veranstaltet das Münchner Volkstheater alljährlich im Frühling das Festival Radikal Jung. In den zwanzig Jahren seither hat es sich als wichtige Talentbörse für die gesamte deutschsprachige Theaterlandschaft etabliert. Grund zum Jubeln. Auch bei der aktuellen Ausgabe. Volkstheaterintendant Christian Stückl freute sich bereits bei der Eröffnung über viele schon im Vorfeld auskaufte Vorstellungen. Münchens Interimskulturreferent Marek Wiechers sprach von einem „Leuchtturm“. Und dann gab’s an den ersten Tagen auch noch ein Gastspiel des Kosmos Theaters Wien, das mit den bekenntnisseligen Worten „Ich glaube an die Unsterblichkeit des Theaters …“ begann. So viel inbrünstig vorgetragener Theaterglaube freilich ist verdächtig! Erst recht, wenn er zu Beginn eines Abends steht, der den Titel „Nestbeschmutzung“ trägt. In der Stückentwicklung von Felix Hafner, Jennifer Weiss und Anna Wielander dient diese Beschwörung denn auch vor allem dazu, Fallhöhe herzustellen: zwischen hehrem Anspruch und verheerender Wirklichkeit. Denn auf den weihevollen Beginn folgt eine Mischung aus bitterer Satire auf und verbitterter Abrechnung mit einem Theaterbetrieb, in dem Selbstausbeutung und Machtmissbrauch noch immer keine Seltenheit sind. Das Theater als Spiegel der Gesellschaft. Aber nicht, so wie es sich gerne selbst sieht, als kritischer Spiegel. Sondern eher als erschütterndes Abbild herrschender sozialer Verhältnisse. Quintessenz:...

Zwischenbilanz Radikal jung am Münchner Volkstheater

Die Unsterblichkeit des Theaters

Schauspielhaus Wien: Noch mehr Tote, noch mehr Geister

Was macht das Theater, Alexander Scheer?

Im Protest gegen die Haushaltskürzungen verhüllten Studierende der Universität der Künste das Gebäude in der Hardenbergstraße in Charlottenburg. „Dieser schwarze Balken soll ein Trauergewand für unsere Universität sein und symbolisieren, dass durch die Kürzungen ein wichtiger Teil der Berliner Kultur- und Wissensproduktion verhindert, quasi geschwärzt, wird“, erklären die Aktiven der Initiative Bildung Braucht Budget!. Die studentische Gruppe setzt sich gegen die Kürzungen des Etats durch den Berliner Senat ein. Statt rund 100 Millionen Euro, die die UdK zuvor von der Stadt erhielt, soll die Ausbildungsstätte nun acht Prozent weniger bekommen. Viele Kosten der Universität sind fix, nennenswerte Rücklagen fehlen ebenfalls. Gekürzt werden kann vor allem beim Lehrpersonal, was Einsparungen in Höhe von 30 Prozent in den Fakultäten zur Folge hat. Praktisch heißt das, dass offene Stellen nicht nachbesetzt, festangestellte Mitarbeiter:innen durch Lehraufträge auf Honorarbasis ersetzt werden und sich die Qualität der Lehre verschlechtert. Mit der Aktion Ende Februar mobilisierte die Protestgruppe viel Aufmerksamkeit; jetzt fragen sich die Aktiven, wie sie im Sommersemester Protest und Lehre verbinden können. Ein Arrangement mit den geschrumpften Ressourcen kommt für sie nicht infrage. Sie arbeiten weiter daran, in Zusammenarbeit mit der Unileitung und den Dozierenden die Lehre experimentell fortzusetzen und so gleichzeitig den Protest nach...

Die Folgen der Kürzungspolitik betreffen nicht nur die Lehre an der Berliner UdK

Wenn die Unis Trauer tragen

1986 begann Dagmar Schlingmann ihre Laufbahn als Regisseurin. 1998 wurde sie bereits erstmalig Schauspieldirektorin am Landestheater Linz. Im Zuge ihrer Tätigkeit als Generalintendantin des Saarländischen Staatstheaters wurde ebenjenem 2008 der Preis für das „Beste Opernprogramm“ verliehen und im Jahr 2019 wurde das Staatstheater Braunschweig, an dem sie seit 2017 als Generalintendantin tätig ist, von Theater der Zeit mit dem Martin-Linzer-Theaterpreis ausgezeichnet. Im Sommer dieses Jahres wird sie, nach 27 Jahren in leitenden Positionen an unterschiedlichen Häusern, ihr Dasein als Intendantin hinter sich lassen. Ihr Wunsch ist es, sich vollumfänglich auf ihre Aufgaben als Regisseurin und vor allem als Mutter konzentrieren zu können. Eine der Inszenierungen, die während ebendieser letzten Spielzeit unter Schlingmann Premiere feierte, ist Klaus Manns „Mephisto“ in einer Bühnenfassung von Matthias Rippert. Eine historisch-politische Arbeit, die auf der Bühne des Großen Hauses zu sehen ist. Auch ohne das Herstellen ästhetischer Bezüge zur Gegenwart schafft es dieser pompös ausgestattete Theaterabend, sich für die Aktualität und Brisanz des verhandelten Stoffes starkzumachen. Im Verlauf der Vorstellung desillusioniert er das Publikum immer weiter, die Skrupellosigkeit und Perfidität von Populismus und Faschismus gegenüber Einzelnen wird offensiv ausgestellt. Das tut er teils auf ästhetischer Ebene – etwa, indem sich das zu Beginn noch gemütliche,...

Nach acht Jahren als Intendantin verlässt Dagmar Schlingmann diesen Sommer etwas früher als geplant das Braunschweiger Staatstheater – ein Gespräch über Leitungskompetenzen, Vereinbarkeit von Familie und Beruf, ergänzt um einige Impressionen aus der aktuellen Spielzeit

„Delegieren ist auch eine Kunst“

Die Zukunft nebenan

Was macht das Theater, Franziska Werner?

Das Problem mit der Apokalyptik

Kampf im Käfig

Der erste Besuch der österreichischen Tänzerin und Choreografin Florentina Holzinger in Polen fand 2014 statt. Sie trat im Duett mit Marta Ziółek im Zentrum für zeitgenössische Kunst in Warschau auf. Noch während ihres Studiums in Amsterdam an der School for New Dance Development bereiteten die Tänzer*innen die anarchistische Performance „Stick“ vor. Zwei Mädchen trainierten sich mithilfe der titelgebenden Requisite (eigentlich hatten beide einen eigenen Stock) gegenseitig. Sie testeten die Positionen eines Herren und eines Sklaven, eines Lehrers und eines Schülers, von Choreografen und Tänzern, Dominas und sexuell unterwürfigen Menschen. Im Bühnen-Mischmasch der Popkultur und seiner eigenen Biografien wurde der Stock zum Stift, um einen Vertrag für einen Auftritt zu unterschreiben, zum Zauberstab, zum kaputten Vibrator, zum Knüppel, um das Opfer zu schlagen. Der Botschaftsbefehl an den Partner war die Geste, die an der Requisite haftete, die Spannung im Körper des Gegenübers, die der Stock hervorrief und die richtig gelesen werden musste. Du hast einen Stock – du regierst. Du hast keinen – du bist unterwürfig. Der Stock verwandelte die Sklavin in das, worin ihre Herrin sie verwandeln wollte, und verwandelte gleichzeitig die Herrin, die Veränderung verlangte. Hol­zinger und Ziółek entdeckten ständig neue, unentwickelte Felder menschlicher Unterordnung, sie wurden von dem...

Florentina Holzingers Geschichte im Theater Polens

Feminismus neu ausrichten

Theaterpublikum ist ein bisschen wie die Schweiz, denke ich mir, während ich in der sechsten Premiere dieses Jahres in Zürich sitze und mich frage wieso eigentlich. Eine Gruppe, die zusieht, aber nicht eingreift. Bewerten, applaudieren oder schweigen. Nach etwa zehn Minuten schläft vor mir in der vierten Reihe ein junges Paar ein. Dabei haben die beiden zu Beginn noch aufrichtig gelacht. Es tut mir irgendwie leid. Für wen, weiß ich selbst nicht genau. Der Abend langweilt bald auch mich. Wie so oft kommt mir das Gefühl, die Bühne habe nichts mit der Welt zu tun. Nicht nur mit meiner, sondern mit einer politischen Realität. So als ginge es um nichts. Etwas ver­ärgert schweife ich ab und fange an, die Spielenden zu beobachten. Es sind tolle Schauspielende und trotzdem ist da diese Distanz. Ich stelle mir die Regie vor – ein bekannter Autor –, dann die Intendanz und messe ihnen einen strengen Blick zu. Gedanklich. Bringt nichts, wird nicht gesehen. Ich ärgere mich noch mehr. Die beiden vor mir nicken immer wieder ein. Ich suche nach weiteren Regungen in den Sitzreihen, es ist aber schwierig. Wohl überhaupt die Annahme, man könne Menschen Gefühle aus den Gesichtern lesen. Und darüber, womöglich noch...

Hier schreiben unsere Kolumnist:innen im monatlichen Wechsel: die Schriftstellerin und Übersetzerin Terézia Mora, die Dramaturgin Anna Bertram und ein Team vom Theaterhaus Jena.

Positionsbestimmung

Der Berliner Kultursenator Joe Chialo (CDU) hat seinen Rücktritt bekannt gegeben. In einer persönlichen Mitteilung bat er den Regierenden Bürgermeister Kai Wegner (ebenfalls CDU) um seine Entlassung. Hintergrund seiner Entscheidung sind die geplanten drastischen Kürzungen im Kulturbereich der Hauptstadt. Bereits im vergangenen Jahr hatte Chialo eigenen Angaben zufolge Kürzungen im Kulturhaushalt schweren Herzens mitgetragen – aus Verantwortung für Berlin. Die nun vorgesehenen weiteren Einsparungen gingen jedoch aus seiner Sicht zu weit. Sie gefährdeten die Planungssicherheit laufender Projekte und könnten sogar zur Schließung überregional bedeutender Kultureinrichtungen führen, so Chialo. Er beklagte außerdem, dass eine sachliche Auseinandersetzung über die Einsparmaßnahmen kaum noch möglich gewesen sei. Stattdessen habe sich die öffentliche Kritik zunehmend auf ihn persönlich konzentriert. Mit seinem Rückzug wolle er „Raum für neue Perspektiven“ schaffen. Joe Chialo, zuvor Musikmanager, hatte das Amt des Kultursenators im April 2023 übernommen. Zuletzt war er als möglicher Nachfolger von Claudia Roth (Grüne) im Amt der Staatsministerin für Kultur und Medien im Gespräch, doch die CDU entschied sich Anfang der Woche für den Medienunternehmer Wolfram Weimer. Chialo sprach seinem Parteikollegen öffentlich Mut und Erfolg zu. Medienberichten zufolge könnte die bisherige Kulturstaatssekretärin Sarah Wedl-Wilson kommissarisch die Nachfolge antreten. Für das kommende Haushaltsjahr sind Einsparungen in Höhe von...

Berlin: Kultursenator Joe Chialo tritt zurück

Leise Melancholie umweht die Erzählerin (Anja Tobler), die Leo Meier in seinem Stück „Zwei Herren von Real Madrid“ auftreten lässt. Rasselt ihre Rüstung, fühlt man sich sofort an den „Ritter der traurigen Gestalt“, Don Quijote, erinnert. Fehlt noch wer? Sancho Panza. Allerdings gibt es weder einen Don Quijote noch einen Sancho Panza in Meiers Stück und dennoch kommt uns dieses Duo dauernd in den Sinn, obwohl wir es mit einem Stürmer (Manuel Herwig) und einem Mittelfeldspieler (Josef Mohamed) zu tun haben. Beide spielen beim dreifachen Champions-League-Gewinner Real Madrid – kennen sich aber nicht. Das holen sie nun auf eine Weise nach, dass man die anfängliche Aufforderung der Erzählerin – „Seien Sie zärtlich zu diesem Stück“ - zu verstehen beginnt. Also: Zwei junge, erfolgreiche Fußballer begegnen einander im Wald, wo sie Stille suchen. Das Gespräch entwickelt sich behutsam; sie unterhalten sich über die Angst vorm Sterben und Pokale – jedoch nicht bleischwer, sondern leichthin und intuitiv wissend, dass Pausen mehr über das Gegenüber verraten (können) als süffige Rhetorik. Die beiden, immer höflich beim Sie bleibenden jungen Herren, sind sich sympathisch. Und dies so sehr, dass der Stürmer den Mittelfeldspieler zum Weihnachtsfest bei seinen Eltern einlädt. Der Angesprochene kommt gerne und bringt...

Eine Produktion von Konzert und Theater St. Gallen und Theater Marie, in Koproduktion mit dem Kurtheater Baden und der Bühne Aarau

„Zwei Herren von Real Madrid“ von Leo Meier (SEA) – Regie Manuel Bürgin, Bühne Beni Küng, Kostüme Gwendolyn Jenkins, Choreografie Elias Kurth

Konzert und Theater St. Gallen/Theater Marie: Du bist ein Schatz

Zug: Sélection fürs Schweizer Theatertreffen bekanntgegeben 

„HUMANIDAD“ (Mehr Menschlichkeit) lautet das Motto des diesjährigen Festivals Teatro a Mil (Theater für Tausend), das Vorzeichen wie eine Reminiszenz auf die eigene Geschichte: Mit der Kampagne NO+! (Nicht mehr!) wurden nach einem Plebiszit Diktatur und Folterregime 1990 endgültig abgeschafft. Noch vor zwei Jahren, anlässlich des Gedenkens an den Putsch gegen die einzige frei gewählte sozialistische Regierung vor 50 Jahren, widmete sich das Festival der Erinnerungsarbeit und Aufarbeitung (<a href="https://tdz.de/artikel/71a9314e-4680-451a-a5b2-43dbcabb88a5">siehe TdZ 03/2023</a>). Jetzt soll es weitergehen. Aber Traum und Trauma liegen nah beieinander, wirken bis ins Heute. Santiago de Chile, es ist Januar, die Sommerferien haben gerade begonnen. Ich sitze im GAM, dem Kulturzentrum Gabriela Mistral, Epizentrum des kulturellen Schaffens. Die PLATEA25 wird eröffnet – die internationale Plattform innerhalb des Festivals für Theaterproduzierende und Booker, dem wohl größten „Fenster des Südens für performative Künste Lateinamerikas zur Welt“. Ich trage kein Plastikkärtchen, ich bin kein Produzent oder Journalist. Ich bin deutscher Schauspieler mit Festengagement und Hang zu Eigenarbeiten, geboren in Chile, im Gepäck mein gesammeltes Halbwissen über das chilenische Theater. Der Autor und Regisseur Guillermo Calderón provoziert gleich zu Beginn: Festivals erregten die Illusion, Theater sei wichtig – für genau zwei Wochen. Dann kämpften alle wieder für sich allein. Im...

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